Explorando el Pasado, Presente y Futuro de Venezuela Atrevés de El Chico Que Miente

La película, El Chico que Miente, dirigida por Marite Ugas en 2011, cuenta la historia de un niño que viaja por las costas caribeñas de Venezuela en búsqueda de su madre. El niño, que en el presente del filme tiene unos 13 años, sobrevivió al deslave en el estado Vargas en 1999. Ese 15 de diciembre, lluvias torrenciales se convirtieron en ríos, lodo y piedras, remolcando todo a su paso desde el Ávila hacia el mar. El desastre natural destruyo más de 15.000 viviendas, matando 75.000 personas, y dejando 15.000 desaparecidos. Este desastre natural fue una de las peores catástrofes en la historia de Venezuela, y también está vinculado a otros eventos en el desarrollo sociopolítico del país desde el cambio de milenio. El deslave destruyo el hogar de nuestro protagonista, pero más que nada destruyo su familia. Su mamá había desaparecido.

Muchos años después, el niño se embarca en una aventura con aspiraciones de encontrar a su mamá. En su periplo, él se encuentra con diversas personas a las que les cuenta distintas versiones de su pasado. Unas veces él cuenta que su madre murió salvándolo, y otras veces es el padre quien muere en la tragedia. Estas mentiras aluden a una confusión o inseguridad de identidad de parte del niño, pero yo propongo que fundamentalmente, en su viaje él explora diferentes visiones de Venezuela: desde el pasado, presente y futuro.

El presente de la película se centra en el viaje del niño en la búsqueda de su madre, pero también pasa mucho tiempo en el pasado. Este pasado no se muestra cronológicamente, hay escenas que cuentan la vida del protagonista después del deslave, pero antes de su aventura. Vemos la relación entre él y su padre, que en realidad si sobrevivió, pero más que nada se ven los restos de lo que dejó la catástrofe. En el primer plano de la primera de estas escenas, se ven las ruinas del edificio en que vivía el niño y su familia. Estas estructuras simbolizan lo que era Venezuela y su deterioro, hasta llegar a lo que es ahora. En su día, ese edificio había sido alto, grande y fuerte, llenos de familias, habitado por persona sanas y contentas de vivir allí. Ese edificio era el hogar y toda una estructura de vida para sus habitantes. Después del deslave, sin embargo, un desastre que ocurrió el mismo día que los venezolanos votaron en referéndum la nueva constitución de Hugo Chávez, ese mismo edificio perdió casi toda su funcionalidad. ¡Está a punto de caerse! No tiene paredes ni tuberías para soportar la vida y orden que sostenía. Son apartamentos inhabitables, pero el niño, su padre, y unos cuantos vecinos, siguen viviendo allí.

“Nosotros siempre hemos vivido aquí. Esta es nuestra casa,” le dijo al niño su papá, mientras trataban de armar una tubería. “No nos vamos a ir.”   

El padre y la comunidad con la que viven en estas ruinas representan el grupo de venezolanos que se ha quedado en el país a pesar de su degradación. Ellos están atados a lo que era y van a seguir viviendo como si nada hubiera pasado. En otra escena retrospectiva, mientras una capa de agua llena parte del piso, el niño le pregunta a uno de sus vecinos cómo ve las noticias mientras juega cartas y sin volumen. Él le responde, “Ya sé lo que pasa… lo mismo.”

Esta comunidad está tan enfocada en regresar al pasado que no ven la realidad actual del país. Se distraen con cartas y no quieren cambiar su modo de vida, pero si reconocen cuando las cosas no funcionan en su entorno y trabajan en conjunto para arreglar sus hogares. Las razones que dan para justificar sus decisiones y estilo de vida también entran en un discurso político y demuestra como perciben a los que se han ido. Explican que los refugios que organizó el gobierno después del deslave no tenían ni luz ni agua, aunque su propio edificio tampoco cuenta con esos servicios. Este es uno de varios ejemplos de la película que demuestran la falta de atención y refugio que le ha prestado el gobierno venezolano a su gente. En esa misma conversación, otro vecino trata de asustar al niño contando una historia sobre alguien que se fue a esos refugios y perdió la memoria. El papa del niño y sus vecinos representan una visión de Venezuela en que irse es olvidar, y rogar por el pasado es mejor que tomar lo que el gobierno ofrece en el presente.  

Al salir de las ruinas de Vargas en búsqueda de su madre, el niño se enfrenta con el presente sociopolítico de Venezuela. Él se encuentra con una variedad de personajes en su aventura, cada uno demostrando distintos niveles de cariño y ética hacia el niño. En una escena, el niño se encuentra en el asiento de atrás de un ladrón que le pregunta si le da miedo viajar solo. El niño le pregunta, “¿de qué?” y el ladrón responde, “no sé, de los extraños.”

La película demuestra una sociedad venezolana en que se comportan más como extraños que vecinos. De vez en cuando el niño encuentra personajes, generalmente mujeres, que lo cuidan ofreciéndole comida y refugio. Sin embrago, más que nada el niño es burlado y maltratado por bribones que se aprovechan de él y otros recursos de la sociedad. Uno de los compañeros más prevalentes en el viaje del niño es otro muchacho que lo contrata para ayudarlo a pintar y decorar lanchas en el día de San Juan. El niño lo ayuda, pero el muchacho le quita más de lo que le da a cambio. Después de pintar y entregar la lancha, el niño le pregunta a el muchacho cuándo le va a pagar, explicándole que tiene hambre. El muchacho le responde una y otra vez, “ya te pago,” pero nunca lo hace, mientras lo sigue arrastrando por el pueblo, delinquiendo.

Este muchacho simboliza el gobierno de Venezuela y las promesas que no se han cumplido para el bienestar del pueblo. En el primer encuentro entre el niño y este otro chico, los dos empiezan a hablar porque el muchacho le quito el bolso.  El muchacho se lo regresa, pero instantáneamente le pide ayuda, aunque lo acaba de robar. En sus aventuras juntos, el muchacho actúa amigablemente con el niño, tomándose fotos juntos y presentándolo a sus amigas, pero nunca le paga o le da algo de valor que lo ayude a continuar su viaje y cubrir sus necesidades. El niño entra en momentos de desesperación y esta relación también lo convierte en ladrón. Este comportamiento es comparable a las acciones del gobierno hacia el pueblo venezolano y cómo la sociedad ha ido perdiendo sus valores. En su viaje, el niño también pasa por varias viviendas sociales con el eslogan, “Venezuela ahora es de todos.” Estos refugios son los mismos que criticaba el padre por no tener luz y agua, pero en sus paseos, el niño también reconoce otras contradicciones en las reglas y actualidad de estos servicios. En un momento de la película, la comunidad estaba botando a una señora del refugio por no tener familia con hijos, y en otro vemos a otro grupo de ladrones desarmando casas que estaban en construcción. Todas estas son señas del mal mantenimiento de los servicios sociales del gobierno y como han afectado la sociedad venezolana.

Entre la realidad cruda del país y la mentalidad retrospectiva de su papá, el niño va a una misión para encontrar a su madre y en si también encontrar la visión ideal de Venezuela. Su viaje empieza cuando encuentra una revista con la foto de su madre vendiendo ostras. La mamá representa lo mejor de Venezuela en sus mejores tiempos. Con playas preciosas, grandes montañas y una de las vistas naturales más bellas del mundo, Venezuela es un país de revista, y en algún momento fue conocida por exportaciones como las ostras. Este el único detalle que tiene el niño para encontrar a su madre, pero, “ya no hay ostras.” Venezuela ya no es lo que era, y ha caído en un deterioro en donde no tiene los ingresos que tenía antes. En esta metáfora, en que la mamá representa a lo mejor de Venezuela, también explora su futuro a través de la relación con su hijo. En sus varias mentiras, el niño le pregunta a la audiencia, “¿Cómo se llama una mamá que perdió a su hijo? ¿Un niño que mató a su mamá? ¿Un niño que su mamá no le quiere?”   En algunas versiones de su mentira, él dice que su mamá está muerta. En el caso del presente sociopolítico del país, hay que analizar cuál será el futuro, y como será con tanta emigración de la población del país. Venezuela es lo que le llamas una mamá que ha perdido a su hijo en el extranjero, pero… ¿será que fue el hijo que la mató al salvarse? Con la realidad actual de Venezuela, ¿será que la patria no quiere a su hijo? ¿Qué pasa si lo mejor de Venezuela, la mamá, ya está muerta? Al final, el niño si encuentra a su mamá vendiendo ostras, lejos de Vargas, con una nueva vida. Él le pregunta porque no regreso y ella le explica que, “ese lugar ya no existe.” Al contraste de su esposo, la mamá no reconoce su viejo hogar, y no vive lo suficiente en el pasado para fingir que es cómo era. Lo mejor de Venezuela sigue vivo, y continúa teniendo rasgos de grandeza del pasado, pero no quiere participar en el deterioro del presente.   

El Círculo Infinito de la Hipocresía y Desconfianza en La Vida de Lazarillo de Tormes

La novela, La vida de Lazarillo de Tormes y de sus fortunas y adversidades, escrita por un autor anónimo, cuenta la vida de Lazarillo de Tormes, un muchacho joven que viaja por España al lado de varios amos. Con cada uno, Lazaro aprende a sobrevivir a las oscuras realidades de la vida. Como muchas obras del siglo XVI, Lazarillo de Tormes gira alrededor de un pícaro, un personaje (generalmente el principal), que tiene una vida llena de sufrimiento, pero usa los aprendizajes de sus maltratos para sobrevivir.  En sus aventuras, los pícaros descubren la hipocresía de la sociedad, promoviendo una actitud de desconfianza e ingenio. Lázaro, como protagonista de la obra, es un pícaro durante la novela. El personaje nace en el río de Tormes en Salamanca. A sus ocho años, meten preso a su padre, Tome González por ser ladrón, lo que hace que la madre de Lázaro, Antona Pérez, se mude con su hijo a la ciudad para, ¨arrimarse a los buenos¨ (Anónimo 73). Aquí, ella empieza a tener relaciones con un hombre negro llamado Zaide, con quien tiene otro hijo. Este hermano menor, que es negro al igual que su padre, se asusta al ver la piel oscura de donde se originó la suya. Lázaro reacciona diciendo a sí mismo,  ¨Cuántos debe de haber en el mundo que huyen de otros porque no se ven a sí mismos ̈ (Anónimo 74). A Zaide también lo acusan de ser ladrón, y por su relación biracial con la madre de Lázaro, a Antona le “pusieron pena por justicia; sobre el acostumbrado centenario, que en casa del sobredicho Comendador no entrase ni al lastimado Zaide en la suya acogiese” (Anónimo 74). En su soledad, Antona encarga a su hijo mayor al primero de muchos amos que le enseñan a Lázaro a vivir en una sociedad injusta. Su primer amo, el ciego, junto a su siguiente, el clérigo, exponen por primera vez a Lázaro a la crueldad de la vida pero al igual, con gran falta de reflexión, modelan diferentes caras de la hipocresía que se contempla al inicio de la novela y promueven el mundo cruel en que viven.

La aventura de Lázaro como pícaro empieza con el mendigo ciego, quien le abre los ojos al individualismo egoísta de la sociedad en que viven. El mendigo recluta a Lázaro como guía. Cuando salen de Salamanca rumbo a Toledo, se encuentran con un toro de piedra al lado de un puente, y el ciego manda a Lázaro a que ponga su oído en el toro para escuchar un, “ruido magnificado.” (Anónimo 75). Lázaro confía demasiado en su amo, y lo hace. Aunque el ciego le prometió a Antona que lo trataría como un hijo, él rápidamente golpea la cabeza del joven contra la piedra y le dice, “Necio, aprende, que el mozo del ciego un punto ha de saber más que el diablo” (Anónimo 75). El ciego quiere que Lázaro tenga los ojos abiertos y sea vigilante a los individuos que tratan de aprovecharse de su falta de experiencia, o en el caso del ciego, de la vista. Gracias al mendigo, este es el momento en que Lázaro empieza a realmente ser pícaro. Luis Felipe explica que, ¨aquí el toro puede ser interpretado como un símbolo fálico, un signo de la entrada de Lázaro al golpe patriarcal de la vida y el existir brutalmente consciente, sobre todo para el que vive en la calle, despojado de todo, con nada, “ciego” por la existencia, pero con los oídos muy pegados a la rudeza del vivir¨ (12). 

Esta lección de parte del ciego sería noble si él no se aprovechará también de los demás, incluyendo a Lázaro. El mendigo gana su dinero dando oraciones inventadas, “para mujeres que no parían, para las que estaban de parto, para las que estaban malcasadas, para que sus maridos las quisiesen bien,” (Anónimo 75). Además, no le da a su mozo de comer. El hambre de Lázaro inspira a que él abra sus propios ojos, sea astuto, y use su vista como ventaja para robarle la comida a su amo. El comportamiento egoísta e hipócrita del ciego cataliza una relación y sociedad en donde todos desconfían de los demás con miedo de ser aprovechados, y por eso sacan ventaja de los demás. Sin embargo, la relación entre Lázaro y el ciego es ambigua. Aunque lo maltrata, el ciego cuida de Lázaro, y le enseña a madurar, abriéndole los ojos a los peligros de la vida. Bruce Wardropper reconoce que, “(Los personajes de Lazarillo de Tormes) lo hacen por engañar a los demás con fines innobles – las más de las veces por pecar, porque no tienen más remedio que pecar. Son hipócritas en su médula misma.” El padre de Lázaro es ladrón, su padrastro es ladrón, su amo ciego se roba el dinero de sus clientes dándoles oraciones falsas, y por como trata a Lázaro, el pícaro también tiene que aprender a ser ladrón para alimentarse, aunque solo algunos son condenados por sus delitos. El mendigo ciego es el primero en demostrarle a Lázaro lo malvada que es la vida, pero al igual también refleja la ambigüedad de la misma.

La privación de comida de Lázaro por parte del ciego lo inspiró a buscar venganza contra su amo. El pícaro se aprovecha de la falta de vista del ciego una última vez, provocando que se caiga y rompa la cabeza. Sin embargo, la experiencia que ganó con las oraciones falsas le sirve para juntarse con otro amo, un clérigo. En comparación a su amo anterior, quien daba oraciones sin ninguna autoridad religiosa, el clérigo sí la tiene, dando la impresión de que el sacerdote va a ser un amo más amable y noble que el mendigo. Al contrario, Lázaro explica que  ̈ escapé del trueno, pero y dí en el relámpago ̈ (Anónimo 78).  El clérigo esconde su comida más valiosa para que Lázaro no la pueda consumir, y solo le da para comer cuando hay un entierro en la iglesia. Esta decisión de parte del cura implanta en Lázaro la idea de que alguien tiene que morir para que él coma. Pierina Beckman considera que con la crueldad de su dos primeros amos, Lázaro, ¨aprendió que el cambio de un lugar a otro no siempre garantiza un mejoramiento¨ (48). Para ocultar la realidad de la cantidad de comida que realmente tienen, el sacerdote miente, ¨ Mira, mozo, los sacerdotes han de ser muy templados en su comer y beber, y por esto yo no me desmando como otros,¨ (Anónimo 79) dando la idea que él tampoco come mucho mientras Lázaro se muere de hambre. Así el clérigo es hipócrita y avaro al igual que el ciego. Él tiene comida para darle, pero la esconde en un arca cerrada con llave y finge ser sacerdote noble como si no la tuviera. El pícaro finalmente se deshace del trabajo con el clérigo, pero el abuso de un segundo amo refuerza la actitud que aprendió del ciego: que tiene que estar despierto para identificar individuos que se van a aprovechar de él, y que solo con el dolor de los demás va a vivir sano.  Lázaro después se junta con un tercer amo, pero Didier Jaen explica que, en este momento, ¨Lazarillo ha avanzado mucho en la escuela de la vida, aunque en una sola dirección: en su actitud defensiva y agresiva para con sus amos ̈ (131).

Del primer amo, el mendigo ciego, Lázaro aprende que tiene que tener los ojos abiertos al mundo malvado y que no se puede confiar. El ciego es hipócrita, sin embargo, como trata a Lázaro igual a como él advierte que no lo deben tratar. No le da de comer, lo que hace que Lázaro use sus aprendizajes en contra de su maestro, pero así Lázaro entra en un ciclo de mentiras y falsedad, contribuyendo al mismo mundo del que se está protegiendo. Después de deshacerse del ciego, Lázaro trata de trabajar para un clérigo, esperando que su nuevo amo sea más noble por su estatus religioso. Otra vez, Lázaro vuelve a caer en una relación en donde sale perjudicado por la avaricia de su amo.  Lo que hace que refuerce su aprendizaje de que la vida es cruel, y que otros tienen que sufrir para que él pueda sobrevivir. Pero al igual, cada una de estas experiencias contribuyen al desarrollo de Lázaro como pícaro, y cada uno de sus aprendizajes lo ayudan a sobrevivir.  La hipocresía aparece en cómo esta actitud promueve una sociedad en que todos tiene que aprovecharse de los demás para salir bien. Sin esta actitud, su necesidad sería obsoleta.

Bibliografia

Backman, Pierina E. ¨El valor literario del Lázaro de 1555.¨ Romance Languages and Literature, Series II, vol.153. University of North Texas Libraries, 2017. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc948107/m2/1/high_res_d/Box1_El_valor_literario_del_Lazaro_de_1555.pdf

Jaén, Didier T. “La Ambigüedad Moral Del ‘Lazarillo De Tormes.’” PMLA, vol. 83, no. 1, 1968, pp. 130–134. JSTOR, www.jstor.org/stable/1261240. Accessed 1 Apr. 2021.

Milenio: Mil años de literatura española. Bárbara Mujica. NY: John Wiley & Sons, 2002.

Felipe Díaz, Luis ¨Análisis de la obra Lazarillo de Tormes.¨ Universidad de Puerto Rico. http://smjegupr.net/wp-content/uploads/2012/05/Lazarillo-de-Tormes-2.pdf

Wardropper, Bruce W. “El Trastorno De La Moral En El Lazarillo.” Nueva Revista De Filología Hispánica, vol. 15, no. 3/4, 1961, pp. 441–447. JSTOR, http://www.jstor.org/stable/40297541. Accessed 1 Apr. 2021.

La Muerte, el Amor, y la Sociedad en la Edad Media Ibérica

Coplas por la muerte de su padre, La Celestina, y Romance de Gerineldo y la Infanta, son tres obras de la Edad Media en la península Ibérica que ilustran diferentes representaciones de lo que es la muerte, a quién afecta, y qué la provoca. En Coplas por la muerte de su padre Jorge Manrique lamenta la muerte de su padre con un análisis de la vida y su viaje en dirección a la muerte. El poema exclama que la vida es temporal, pasa rápido como un río va hacia el mar, y que por ello deberíamos gozar el presente que se nos presenta. Para Manrique, la muerte no es un tema pesimista, es más, da justicia. Todos terminan en el mar de la muerte, no importa la vida que han llevado, o la clase social a la cual pertenecen. La Celestina, escrita por Fernando de Rojas, gira en torno al amor artificial de Melibea y Calisto que es fabricado por la Celestina. El drama termina en tragedia, con todos los personajes muriendo a causa de sus propias obsesiones tóxicas, como el amor, en el caso de Melibea. Romance de Gerineldo y la Infanta también se enfoca en un amor escandaloso. Gerineldo es el criado de la infanta, lo que hace que su relación sea prohibida. El poema detalla cómo una visita del muchacho casi termina en su muerte cuando el padre de su amada, y rey, los encuentra juntos en la cama. Las tres obras son similares en sus comentarios sobre las clases sociales, propugnando la idea de que al final de la vida, todos son iguales. La muerte también está muy vinculada al amor, pero las obras no están de acuerdo en cómo los amores causan y previenen la muerte, y el valor general del fin de la vida.  

Según Stephen Gilman, Coplas de la Muerte de su padre está dividido en tres partes, cada una detallando tres vidas, la eterna, la terrenal, y la de la fama. Gilman explica que al final, “cada una de las tres vidas tiene su encuentro con la muerte. Hay tres vidas que encuentran a otras tantas muertes, – pues en este poema la vida no se concibe aparte de la muerte” (307.) El hecho de que toda vida termina en muerte promueve la idea del autor que la vida da justicia y trata a todos como iguales. Manrique demuestra la igualdad de la muerte, dictando, “así que no hay cosa fuerte; / que a papas y emperadores / y prelados / así los trata la Muerte / como a los pobres pastores / de ganados” (35.) La obra compara la vida y la muerte a los ríos y el mar. Todos los ríos, como todas las vidas, son diferentes: “allí los ríos caudales / allí los otros, medianos / y más chicos;” (34) pero igual terminan en el mismo mar, al igual que todas las vidas tienen su fin fatal. 

Esta idea de que nadie puede escapar a las garras de la muerte también prevalece en La Celestina. Al principio del drama, Melibea rechaza a Calisto por su reputación y nivel social más bajo. Esto hace que él le pida a la Celestina, una alcahueta de mala fama, que le ayude a conquistar a Melibea. Cuando Celestina va a casa de Melibea con intenciones de hacer que se enamore de Calisto, la alcahueta le dice, “Tan presto, señora, se van el cordero como el carnero. Ninguno es tan viejo que no pueda vivir un año, ni tan mozo que hoy no pudiese morir. Así, que en esto poca ventaja nos lleváis…”(De Rojas, 44.) La señora le explica a la muchacha que no tiene ventaja ante la muerte, que cualquiera puede vivir o morir sin importar quién es. De hecho, al final del relato todos se encuentran fatalmente con la muerte, y ella los trata a todos como iguales, no importando sus hechos y responsabilidades en el drama.  

En el Romance, Gerineldo y la infanta se aman, desvalorizando la diferencia en sus estratos sociales. Al principio del poema, Gerineldo  está inseguro con los comentarios atrayentes de la infanta, y ella le responde, “No me burlo, Gerineldo, / que de veras te lo digo”(41.) Cuando el Rey contempla la posibilidad del asesinato de los jóvenes, él analiza sus relaciones con ellos. Aunque la infanta es su hija honrada destinada para el reino, y Gerineldo es solo un criado que trabaja para su familia, ante la muerte el rey los ve como iguales, decidiendo no matarlos. Cuando la Infanta ve la espada que había planteado su padre al tomar su decisión, ella le dice a Gerineldo, “-Levántate Gerineldo, / Levántate, dueño mío” (41.) Al decir, “dueño mío,” la Infanta cambia el título de Gerineldo quien, deja de ser solo un criado enfrente de su posible fin. Si no, es el que manda por su influencia romántica.

Esta relación pegajosa entre la muerte y el amor también se pone de manifiesto en las obras de esta época. La Celestina y Romance de Gerineldo y la Infanta se tratan de romances que determinan gran parte de las vidas de sus personajes y su posible fin. En La Celestina, el éxito de la señora en generar amor entre Melibea y Calisto causa su propia muerte, la de sus asesinos, la de Calisto, y la de Melibea, quien se suicida por ello. Cándido Ayllón argumenta que, “In the Tragicomedia, death is conceived as the result of conflict as it emerges intimately related to love.” En La Celestina el amor es lo que causa la muerte. El Romance relata el mismo trauma. La infanta también quiere suicidarse por el posible fallecimiento de su amado, pero tiene una conclusión distinta.  La infanta invita a Gerineldo a que venga a visitarla entre las horas de las doce y la una. José Luis Alonso Hernández resalta este detalle que, “es evidente que acarrea otro significado de tipo circular y constante que apunta al ciclo vital de muerte – las doce – y resurrección-prolongación a otro nivel, nueva vida” (292.) Esto indica que en este poema, el amor promueve y crea algo nuevo. Después de descubrirlos, el rey decide no matarlos por el amor que ha desarrollado por Gerineldo, y las consecuencias que su muerte tendría para la vida de su hija y su reinado. En El Romance, Gerinaldo y la infanta tienen un amor que demuestra una creación y salvamento de vida en vez de destrucción. Las dos obras tienen diferentes opiniones sobre cómo el amor puede causar o prevenir la muerte. 

Mientras las tres obras contribuyen con diferentes ideas de que es lo que causa la vida y cómo afecta a los demás, sus autores también comparten sus actitudes generales con respecto a lo que significa la muerte. En Coplas, Manrique usa la igualdad de la muerte para demostrar la belleza de la vida y su fin. Es más, le da una voz a la muerte, que escribe, “dejad el mundo engañoso / y su halago; / vuestro corazón de acero / muestre su esfuerzo famoso / en este trago” (38.) El uso de Manrique de la palabra “trago” hace sentir que la muerte es un ofrecimiento que se puede aceptar, una oportunidad para una nueva experiencia. Germán Orduna comenta que estas palabras, “nos presentan un sermón que es más confrontación ante un hecho emanado de la voluntad divina que castigo desdicha arbitraria.”   La Celestina y Romance de Gerineldo y la Infanta patrocina una muerte salvaje y malvada, hecha para causar tristeza y condenar delitos. En La Celestina, hay una constante preocupación por la muerte. Ayllón apunta que, “Impatient Calisto, in his first encounter with Sempronio, ironically mentions the “desastrada muerte” that awaits him” (161.) Al final de la obra, De Rojas usa la muerte de cada uno de sus personajes para demostrar un castigo a sus obsesiones tóxicas, como es el amor en el caso de Calisto y Melibea, y el dinero en el caso de la Celestina y los que la mataron. En el Romance, el rey decide no matar a los jóvenes por el miedo que le da el fin de la vida: “¡¿Mataré yo a Gerineldo, / a quien crié desde niño? / Pues si matare a la Infanta / mi reino queda perdido” (41.) Al igual que en La Celestina, el Rey puede usar la muerte como castigo, pero la tristeza que traería lo convence que debe mostrar misericordia. También hay que resaltar la rebeldía en contra de estas actitudes de parte de Melibea y la Infanta, quienes como Manrique no le tienen miedo a la muerte. Las dos muchachas ven terminar su vida como una opción, un “trago” que pueden tomar cuando quieren morir como iguales con sus amores.             Los tres trabajos literarios, Coplas por la muerte de su padre,La Celestina, y Romance de Gerineldo y la Infanta, dan interpretaciones distintas a lo que es la muerte y su relación con el amor y la estructura social. Coplas por la muerte de su padre introduce la idea que todas las vidas son iguales, terminando cotidianamente en su mar eterno. En La Celestina y El Romance de Gerineldo y la Infanta, la muestra también es justa a los individuos que afecta, decidiendo matarlos a todos o a ninguno, pero estos resultados también están muy relacionados a los romances que se establecieron durante el drama. La Celestina demuestra un amor cruel que conduce directo a la muerte, mientras ElRomance da una versión del amor que es innovador, no necesita manipulación para romper estructuras sociales, y por eso salva vidas.  

Bibliografia

Alonso Hernández, José Luis. “Análisis Psicocrítico Del ‘Romance De Gerineldo.’” Análisis Psicocrítico Del “Romance De Gerineldo”. JOSÉ LUIS ALONSO HERNÁNDEZ, Centro Virtual Cervantes, 1986, cvc.cervantes.es/literatura/aih/pdf/09/aih_09_1_027.pdf. 

Ayllón, Cándido. “Death in La Celestina.” Hispania, vol. 41, no. 2, 1958, pp. 160–164. JSTOR, http://www.jstor.org/stable/335442. Accessed 25 Feb. 2021.

De Rojas, Fernando. “La Celestina.” Milenio: Mil años De Literatura Española, by Barbara Mujica, John Wiley & Sons, New York, NY, 2002, pp. 43-52.

Gilman, Stephen. “Tres Retratos De La Muerte En Las Coplas De Jorge Manrique.” Nueva Revista De Filología Hispánica, vol. 13, no. 3/4, July 1959, pp. 305–324. JSTOR, https://www.jstor.org/stable/40297444. Accessed 10 March. 2021. 

Manrique, Jorge. “Coplas por la muerte de su padre.” Milenio: Mil años De Literatura Española, by Barbara Mujica, John Wiley & Sons, New York, NY, 2002, pp. 43-52.

Orduna, German. “Las ‘coplas’ de Jorge Manrique y el triunfo sobre la muerte: estructura e intencionalidad.” Romanische Forschungen, vol. 79, 1967, pp. 139–151. JSTOR, https://www.jstor.org/stable/27937325. Accessed 10 March. 2021.

“Romance de Gerineldo y la Infanta.” Milenio: Mil años De Literatura Española, by Barbara Mujica, John Wiley & Sons, New York, NY, 2002, pp. 43-52.